Médiathèque Syracuse

Ce Parisien d’adoption laisse une œuvre puissante, marquée par la guerre et la violence de l’homme faite à l’homme.

Vladimir Velickovic, qui a dépeint dans ses toiles, dessins et gravures l'extrême violence déshumanisante de la guerre, avec ses corps déchirés, est mort jeudi 29 août, a annoncé l'Académie des Beaux-Arts de Paris, où il habitait.

Né le 11 août 1935 à Belgrade, il apparaît dans les années 60 comme un des artistes les plus importants du mouvement de la Figuration narrative.

Son œuvre est habitée d'un univers tragique marqué avec des toiles puissantes, l’horreur des corps disloqués par la guerre où le noir, le gris et le rouge dépeignent sur des paysages désolés et des horizons bouchés, l'agressivité de l'homme contre l'homme. On y voit des corps rongés par des rats, des pendus becquetés par des corbeaux, de vastes paysages désolés de champs de bataille, ou des femmes écartelées accouchant de monstres.

Vladimir Velickovic a été marqué par les horreurs de la Seconde guerre mondiale, puis par celles de l'explosion de la Yougoslavie dans les années 90.

Enseignant aux Beaux-Arts, l’artiste avait fait sa première exposition personnelle à Belgrade en 1963 et avait obtenu le prix de peinture de la Biennale de Paris en 1965, ville où il s'était installé l'année suivante.

A partir de 1983, il devait enseigner pendant dix-huit ans à l'École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris. Il a été le premier artiste franco-serbe élu membre de l'Académie des beaux-arts, au fauteuil de Bernard Buffet en 2005. Il en était un des membres les plus actifs.

Oeuvre de l'artothèque à découvrir et emprunter :

Sans titre
Lithographie [92 x 62 cm]
Cote : 15 VEL

Rétrospective de l'œuvre de Takesada Matsutani (1937, Osaka, Japon, installé à Paris depuis 1966). Un parcours riche et original, débutant avec une première période qui mêle, à la fin des années 1950, la peinture traditionnelle nihonga et une veine surréalisante, pour évoluer vers une abstraction informelle, puis vers Gutai au début des années 1960.

L’exposition que vous invite à découvrir le Centre Pompidou embrasse soixante ans de la carrière de Takesada Matsutani. Né en 1937 à Osaka au Japon, il vit et travaille à Paris depuis 1966. Cette première rétrospective majeure en France retrace son parcours aussi riche que singulier et met en valeur vingt-deux œuvres de la fin des années 1950 à nos jours, une donation exceptionnelle de l’artiste au Centre Pompidou. Cette exposition est aussi un hommage sans précédent à l’aventure artistique originale de Matsutani ; au travers d’une expérimentation constante sur la matière organique et ses liens avec le spirituel, il n’a jamais cessé d’aller en quête de son « image intérieure ».

Initiée à la fin des années 1950, la première période de son travail mêle la peinture classique nihonga et une veine empruntant au surréalisme, avant d’évoluer vers une abstraction informelle, puis vers un style proprement Gutaï. C’est en 1963 que Matsutani est accepté dans ce groupe d’avant-garde par son fondateur, JiroYoshihara (1905-1972), séduit par ses tableaux abstraits aux surfaces couvertes de cloques béantes obtenues à partir d’un procédé de son invention utilisant de la colle vinylique. Ainsi s’engage un dialogue avec la matière organique, socle fondateur de l’œuvre à venir. Le vivant et son expansion fascinent d’autant plus Matsutani qu’il a souffert durant son adolescence de la tuberculose. La découverte de cellules observées au microscope renforce cet intérêt, de même que les œuvres de Kandinsky.

Takesada Matsutani, « Circle Yellow 19 », 2019 © Courtesy de l'artiste et Hauser & Wirth. Photo : Marc Domage

En 1966, le premier prix qu’il remporte à un concours lui permet de profiter d’un séjour de six mois en France, où il décide finalement de s’installer. De 1967 à 1971, il s’adonne à la gravure à l’Atelier 17 de Stanley William Hayter. Il découvre la sérigraphie et épouse un nouveau style proche du Hard Edge américain. Chez lui les notions de propagation, voire de développement dans la troisième dimension, prédominent toujours, sans réelle influence des théories américaines. Au gré de diverses lectures, Matsutani renoue avec sa réflexion spirituelle marquée par le shinto et le bouddhisme. Son style évolue de manière très personnelle, l’expérience sur la matière organique se mêlant à un travail sur la notion d’espace-temps.

À partir de 1977 débute la série des Streams, utilisant de larges bandes de papier, du graphite, et de l’encre sumi. On y voit nettement le geste patient de l’artiste, trait de graphite après trait, comme l’écoulement du temps nécessaire à la réalisation. Il faut attendre 2015 pour que la couleur recommence à jouer un rôle primordial dans son œuvre, avec des formats inhabituels en tondos

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